Professeur Frédéric Giroutru
Un cycle préparatoire, d’une année, d’ouverture et d’engagement.
Il se situe dans le prolongement de l’initiation, car l’élève découvre des poèmes, son rapport à l’autre, à l’espace, comment l’écriture transforme sa voix, son corps (lectures, mises en espace).
Nous abordons aussi bien les textes contemporains que les textes antiques, notamment les mythes qui fondent et continuent à influencer le théâtre d’aujourd’hui (Mouawad, Py…)
Nous commençons à travailler sur les qualités techniques (diction, prononciation, respiration, maîtrise corporelle...) et les qualités artistiques (poétique du langage, musicalité, intelligence du texte...)
La mise en jeu est individuelle et collective (confrontation aux exigences du travail en groupe à travers le travail de chœur).
Tout en continuant son travail personnel, l’élève devient un membre à part entière du groupe en s'engageant sur le plateau, en étant spectateur actif (par l’analyse critique du travail des autres), tout en étant force de proposition, présent, régulier et concentré. L’élève cherche dès que possible son autonomie en préparant des cartes blanches, des RV réguliers avec le public.
Formation:
« C’est par l’auteur que commence l’œuvre collective. Sans poète les acteurs et les régisseurs n’ont que faire. »(Stanislavski). L’élève acteur et le pédagogue poursuivent le même but, la poésie.
Qu’est ce qui est important? La métamorphose. Nous cherchons à être autre. Nous donnons notre corps au personnage et s’opère devant nos yeux « la fusion du JE de l’acteur et du JE du personnage ».
Le projet pédagogique consiste à provoquer des rencontres entre les élèves, des auteurs et des écritures.
La formation de l’acteur, c’est se confronter aux poèmes. Chaque poème est un espace inconnu à découvrir. Chaque poème a son souffle. Chaque auteur invente sa manière de respirer et nous, acteurs, tentons de plonger dans la matière et de nager avec elle. Et comme dit Claudel: « il ne s’agit pas de comprendre, il faut perdre connaissance. »
Se former, c’est se risquer à parler la langue des auteurs (Claudel, Shakespeare, Molière, Dostoïevski, Novarina, Racine, Duras, Lazarre, Cixous…) à parler d’autres langues que la sienne.
L’enseignant s’efforce de guider les élèves vers « leur théâtre ». Il s’intéresse, à la personnalité de chacun d’eux qu’il affirme grâce aux œuvres.
Nous proposons plusieurs cycles qui vont s’adapter à l’évolution de l’élève. La formation devient plus conséquente, plus intensive, au fur et à mesure des cycles.
Nous orientons le cursus sur quelques axes principaux:
Horaires : 4h par semaine : Mercredi de 17h à 21h
Professeure Michèle Garay
Cycle 2 : approfondissement : 2 ans (à partir de 18ans)
Cycle 3 : perfectionnement : 1 an
« La liberté de l’acteur »
Débuter les cours par un laboratoire : se concentrer sur les sensations de son corps et la perception du groupe. Affiner l’écoute. Trouver l’amplitude de la respiration, la maîtrise de la voix. Acquérir la détente dans l’action. Apprendre à utiliser son instrument de jeu : le corps de l’acteur.
Développer ensuite cette recherche grâce au travail individuel dans une mise en espace scénique : expérimenter une direction d’acteur approfondie, une précision du mouvement et de l’occupation du plateau. Étudier les pièces, comprendre les auteurs, construire les situations, s’approprier les textes. Être guidé vers l’émotion...
Ouvrir la porte de l’imaginaire pour offrir un jeu fort et soutenir une proposition de personnage originale et subtile.
S’épanouir et pratiquer le théâtre dans la joie. Déployer son potentiel d’acteur, affirmer sa créativité, sa fantaisie, sa liberté.
Formation collective :
Ces séances d’entraînement s’effectuent en groupe. Il s’agit d’ouvrir la perception de l’élève aux sensations de son corps et du groupe. Cette expérience éveille l’intériorité et apporte une énergie de groupe épanouissante et joyeuse.
Ces différents exercices sont accompagnés d’un travail sur la respiration : une prise de conscience de l’amplitude respiratoire, comment s’effectue la circulation de la respiration, comment développer sa puissance vocale…
Cet accès à l’intérieur du corps facilite une ouverture sur l’autonomie créative. L’élève s’exerce à pénétrer consciemment dans le monde clos de ses sensations. Il part à la découverte de lui-même, réapprend son corps, colore sa palette émotionnelle, redécouvre cet outil incroyable, son instrument de jeu : le corps de l’acteur.
Après cette phase de concentration, l’accent est mis sur la dynamique dans l’action. L’exploration de différents rythmes favorise l’épanouissement des réflexes, la souplesse du corps et l’adaptation à l’effort : La nécessité de trouver la détente dans l’action.
L’élève acteur s’adapte au mouvement du groupe, s’exerçant ainsi à une bonne gestion de l’espace scénique ; il accroît également sa faculté à intégrer une multitude d’indications pour s’entraîner à assimiler toutes les directions de jeu qui lui seront données par un metteur en scène.
Ce travail préliminaire sur le corps permet de briser les habitudes comportementales et d’entrer dans des ambiances imprévisibles : sortir du quotidien et ouvrir la porte de l’imaginaire.
Au fil de la séance, l’élève aborde les différents rôles qu’il travaille. De nombreuses propositions ludiques lui permettent de s’exercer à passer rapidement d’un personnage à l’autre ou d’approfondir un seul personnage.
Afin d’éviter de fixer des stéréotypes de jeu, la mise en espace du groupe varie d’une séance à l’autre. Des directions individuelles toujours différentes permettent à l’élève de développer son aptitude à l’improvisation, à l’invention et à l’approfondissement de la recherche du personnage.
Ces séances aident à trouver les personnages par le biais du corps, la création collective y est favorisée, aboutissant à déployer le potentiel de l’acteur, lui donnant accès à sa fantaisie et à son originalité.
Formation individuelle :
Le travail collectif est ensuite développé dans une mise en espace scénique, favorisant ainsi le travail individuel, une direction d’acteur approfondie, une précision du mouvement et de l’occupation du plateau.
Je propose à l’élève une large palette de pièces, différents rôles, différents auteurs, des scènes ou monologues de différentes époques pour éveiller sa curiosité et approfondir sa connaissance du théâtre.
Ainsi pourra être abordé l’exploration de l’œuvre textuelle : comment lire à haute voix, comment découvrir les mots, comment apprendre le texte, s’en nourrir, se l’approprier… pour lui donner corps et pouvoir l’offrir au public.
Cette alternance de travail collectif et individuel favorise une formation solide, car il s’agit d’apprendre à maîtriser l’outil théâtral dans sa globalité :
Le corps, le corps dans l’espace, la puissance de la présence, de la voix...
Le respect du texte, de l’auteur, de son époque, l’analyse sociale...
La recherche de la situation, des enjeux de la scène…
Comprendre les personnages, leur psychologie...
L’étude du rapport avec le partenaire…
Redécouvrir l’écoute, le regard, la sensation, l’imaginaire...
Rechercher, découvrir, approfondir… L’élève explore toutes les facettes du travail d’acteur pour acquérir une capacité à l’autonomie créative, affirmer sa présence scénique et sa personnalité théâtrale.
Organisation des cours des cycles 2 et 3 :
Tous les cours regroupent les élèves de ces 2 cycles.
Horaires des cours :
• Lundis 14h à 19h (soit 5h)
• Jeudis de 16h à 21h (soit 5h)
• Vendredis de 14h à 20h (soit 6h)
Le projet personnel pour le cycle 3 se fera avec Frédéric Giroutru le lundi de 10h à 13h
J'accompagne le projet personnel de l'élève acteur porteur d'un projet. C'est l'initiative personnelle qui est ici à promouvoir et à encourager afin de former des acteurs créateurs qui développent un point de vue et une vision d'un sujet personnel autour d'une forme de 30 minutes. Cela peut-être un travail sur un parcours de rôle ou un projet de création théâtrale dans lequel il met en scène une équipe.
Cette présentation est suivi d’un entretien de 10 minutes où l’élève comédien est amené à témoigner de son parcours, porter un regard critique sur la réalisation de son projet personnel et à présenter ses perspectives.
Le projet personnel est un élément très important de sa formation où il est en responsabilité de l'élaboration d'un projet artistique (distribution, texte, décor, costumes...)
Comme défini dans le règlement pédagogique des études théâtrales l'évaluation du cycle 3 se fait sur l'évaluation continue, la présentation devant un jury d'une épreuve d'interprétation et d'un projet personnel de 30 minutes suivi d'un entretien, qui débouchent à l’obtention du Certificat d'Etudes Théâtrales CET.
Présences obligatoires demandées aux élèves :
Cycle 2 : 6 à 8 heures hebdomadaires en fonction du projet
Cycle 3 : 8 à 10 heures hebdomadaires en fonction du projet
Les jours des cours sont choisis par l’élève en début d’année. Il est obligatoire que l’élève soit présent au début du cours, au moins une fois par semaine, pour pouvoir bénéficier du travail collectif.
Organisation générale de l’année pour les élèves en cycles 2 et 3 :
Organisation de plusieurs évaluations continues ouvertes au public, tout au long de l’année, pour permettre aux élèves de montrer leurs évolutions et s’entraîner à jouer devant un public.
Nous pourrons aussi éventuellement, travailler sur un auteur, une pièce ou un thème pendant toute l’année sous forme d’atelier, afin de construire un travail collectif pouvant être présenté à un public en fin d’année.
Dans la mesure du possible, nous essaierons de construire des projets interdisciplinaires avec les professeurs de chant ou de danse du conservatoire du 13ème, puisque le conservatoire propose des cours de ces deux disciplines spécifiques pour les élèves d’art dramatique.
Afin d’inscrire la classe d’art dramatique dans la vie culturelle du Conservatoire du 13ème et de l’arrondissement, certains projets pourront être proposés aux élèves et élaborés avec la professeure. Ces interventions pourront éventuellement être pluridisciplinaires et programmées au conservatoire du 13ème ou hors du conservatoire.
Si certains élèves désirent travailler en autonomie sur la création d’un spectacle, la professeure encouragera la possibilité que ce spectacle soit joué au conservatoire du 13ème dans la mesure où l’organisation du conservatoire le permet et que le montage de ce spectacle n’empiète pas sur la présence des élèves aux cours d’art dramatique et des cours proposés dans le cursus.
A la fin du 3ème cycle on demande aux élèves d'être autonomes face au travail. Cela implique une mise en route du corps et de la voix en fonction de son état, savoir comment incarner un texte et pouvoir en extraire les enjeux principaux, répéter avec ses camarades. Avoir été au moins une fois porteur d'un projet personnel. C'est l'initiative personnelle qui est ici à promouvoir et à encourager afin de former des interprètes-créateurs qui développent un point de vue et une vision d'un sujet personnel autour d'une petite forme. Développer une posture juste au plateau, c'est à dire savoir transformer une consigne en proposition de jeu. Que l'élève ait suffisamment d'outils pour être candidat aux écoles supérieures, selon sa volonté à passer les concours. Et au cours de ces années de formation qu'il ait eu une approche des théâtres classiques et contemporains et des différentes « langues » que forment la littérature théâtrale.
Importance de la transversalité, pour lier les matières artistiques dans un projet précis (c’est-à-dire le chant, la danse et le théâtre), pour amener chacun à connaître les différentes pratiques artistiques enseignées au sein d’un même conservatoire de manière à créer des ponts de création pluri disciplinaires et encourager de futures collaborations professionnelles.
Organisation des examens de fin de cycle :
Les modalités de ces deux examens de fin de cycles sont définies par le règlement pédagogique des Conservatoires de la Ville de Paris. https://conservatoires.paris.fr/p/2397-reglement-pedagogique-theatre
L’obtention de AET et CET est en corrélation avec la présence régulière des élèves
Les ateliers inter-conservatoires proposés par la Ville de Paris complètent la formation : La liste de l’ensemble de ces ateliers est donnée à la rentrée par la professeure.
Le cursus d’art dramatique au conservatoire 13 comprend également des cours de chant et de danse spécifiquement conçus pour les élèves acteurs. Ces cours sont ouverts aux élèves des cycles 1 - 2 et 3
Cours de chant : Professeure Tamara Dupuis
Vendredis de 13h à 15h: Le cours de chant propose une interaction entre les dynamiques du corps et de la voix, une symbiose qui est au cœur de l’enseignement dans le parcours d’un comédien interprète.
Pour cela, la voix parlée, chantée, expressive, colorée et la voix en mouvement nécessitent la connaissance d’outils de langage, de clarté et de communication qui permettront d’ajuster et d’affiner l’unicité du geste vocal propre à chacun.
Cours de danse : Professeure Céline Gayon
Jeudis de 11h à 13h : Le cours de danse proposera une danse contemporaine à la physicalité engagée. Nous explorerons aussi comment le mouvement dansé peut porter une certaine théâtralité ou se mettre au service du théâtre.
Le cours s'articulera autour de plusieurs outils : travail technique, improvisations dirigées, travail sensoriel, création et composition. Nous puiserons dans l'un ou l'autre de ces outils en fonction des projets menés sur l'année et du groupe d'élèves. Tant que possible une collaboration s'initiera entre les cours de théâtre et le cours de danse, pour développer une interdisciplinarité.
Accès : Conservatoire du 13e Maurice Ravel
Voir plus d'informations
Les cours dispensés par les conservatoires municipaux et le conservatoire à rayonnement régional de Paris sont soumis à une inscription annuelle.
Les droits d’inscription sont dus pour l’année scolaire.
Calendrier des cours : de septembre à juin, hors vacances scolaires.