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THÉÂTRE

Un cliché qui a la peau dure consiste à dire qu’être acteur ne s’apprend pas. Certains seraient gratifiés d’un don mystérieux, dont d’autres seraient privés, et il n’y aurait pas à chercher plus loin. Ce cliché, se prolongeant, affirme que jouer, au théâtre, c’est s’exprimer. On aurait une personnalité plus ou moins forte, qu’on exprimerait sur le plateau, et jouer ce résumerait à cette simple expression de soi.

Nous pensons au contraire que le théâtre, et plus précisément l’art de l’acteur, est un art extrêmement complexe, qui ne s’acquiert qu’au prix d’un long travail, d’une part technique, mais d’autre part plus personnel, travail de fréquentation et d’analyse des auteurs, et de réflexion sur la société dans laquelle nous vivons.

Il ne s’agit pas simplement d’être soi-même, mais, d’entrer dans la pensée d’un auteur, dans sa structure, et par là de s’élever et être justement plus que soi-même.

Le paradoxe, c’est que pour porter la parole d’un autre, d’un personnage, d’un auteur, il faut être capable de parler en son nom, du plus profond de soi. C’est parce que je la fais mienne que la parole de l’autre devient active, vivante, percutante. C’est parce que je la nourris de ma propre vie intérieure, et que je lui donne forme artistique, que la vie du personnage devient réelle, et la pièce, vivante.

Condamnés à expliquer les mystères de leur vie, les hommes ont inventé le théâtre, disait Louis Jouvet. C’est à cette immense tâche, tentative vaine et sublime, à laquelle l’acteur doit se vouer, prenant par là une responsabilité à la fois sociale, politique, et spirituelle. 

Le département théâtre du 10e : quelques principes

1/ Un département théâtre

Le conservatoire du 10e a un département théâtre. Les élèves en théâtre ne sont pas les élèves de tel ou tel professeur, mais les élèves du département théâtre. Ce sont les élèves de l’équipe pédagogique du département théâtre. Les élèves travaillent, durant leur formation, avec au minimum deux professeurs différents. 

2/ Deux professeurs d’interprétation en cycles

Le département théâtre du conservatoire du 10e comporte deux professeurs d’interprétation, aux approches différentes et complémentaires. Le travail se fait au semestre. Chaque semestre, les élèves changent de professeur. Chaque semestre fait l’objet d’un projet cohérent, avec un matériau et un objectif précis. Les deux pédagogues définissent ces projets ensemble de manière à construire un projet global varié et cohérent pour les élèves.

3/ Les cycles : un projet pédagogique sur 4 année, soit 8 semestres

Le projet est construit dans une progression. C’est un projet porté par l’ensemble de l’équipe, construit ensemble. Les professeurs se réunissent régulièrement pour échanger et assurer le suivi de chaque élève.

4/ Deux espaces : salle Marivaux, et salle de danse

Les professeurs et les élèves travaillent en alternance dans deux espaces. La salle Marivaux, qui est un espace théâtral frontal, avec scène et gradin, et la salle de danse, qui permet de multiples possibilités spatiales (bifrontal, quadrifrontal, circulaire…). Le théâtre a depuis toujours exploité différentes relations spatiales avec le spectateur, et particulièrement aujourd’hui. Un enseignement du théâtre actuel ne peut se contenter d’un rapport au spectateur frontal, conventionnel. L’élève doit se confronter à différents rapports au spectateur, d’où l’importance du travail en alternance dans les deux salles.

5/ Travail en autonomie

Chaque cycle dispose, en plus des cours avec le professeur, d’un créneau obligatoire de temps de travail en autonomie. Ce travail est fondamental pour la progression de l’élève. Les élèves, pour profiter du cours, doivent travailler aussi en dehors du cours.

6/ Assiduité et ponctualité

Le projet pédagogique est exigent, et fondé sur le collectif. Les élèves doivent venir systématiquement à chaque cours, et à l’heure. 

7/ A chaque fin de semestre, chaque cycle fait une présentation publique

La présentation publique n’est pas un spectacle, même si parfois, la forme peut s’en approcher. C’est une présentation de travaux. C’est une étape pédagogique très importante, qui est la rencontre du travail du semestre avec les spectateurs. 

8/ Deux examens valident la formation : l’AET, en fin de cycle 2, et le CET, en fin de cycle 3

Le jury est composé des deux professeurs d’interprétation, et de deux artistes extérieurs. Les deux artistes extérieurs viennent aux deux présentations semestrielles des C2 et C3, et donnent à chaque élève un entretien individuel. Ce regard extérieur apporté par ces artistes est capital, pour donner aux élèves un autre regard, et mettre en perspective leur formation. Ce regard est également très riche pour les deux pédagogues : il leur permet aussi d’avoir un regard extérieur sur leur pédagogie, et de se remettre en question, ce qui est capital pour rester actif et pertinent.

9/ Des partenariats sont possibles

et même encouragés, avec les élèves musiciens et danseurs.

10/ Des options

Les élèves ont accès, en plus des cours d’interprétation, à des options : improvisation théâtrale, scènes, écriture de plateau, aïkido, danse, technique vocale et chant. Ces cours sont facultatifs, mais fortement conseillés.  

Organisation des études

Le projet pédagogique du département Théâtre du conservatoire Hector Berlioz s’inscrit dans une volonté d’apprentissage du collectif et d’enseignement des bases et fondamentaux de l’art théâtral.

Son enseignement est ouvert aux autres modes et techniques d’expression que sont notamment la danse (contemporaine), la voix (technique vocale), le corps (masque et aïkido).

INITIATION AU THÉÂTRE – pour les 15-18 ans

En amont du cursus classique du conservatoire, ce cycle d’initiation permet la découverte du théâtre à travers une conduite pédagogique qui favorise l’expression corporelle et collective. 

1er semestre : pratique de l’improvisation

  • improvisations libres, visant à développer l’imaginaire, l’écoute du partenaire
  • improvisations structurées, pour aiguiser le sens de la composition et apprendre à développer son imaginaire à travers un cadre. 
  • Travail choraux et rythmiques pour aiguiser la conscience du groupe

2e semestre : réalisation d’un spectacle, pour expérimenter le geste théâtral dans sa totalité

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CYCLE 1 : apprentissage, fondamentaux du jeu – pour les 18-26 ans

1er semestre : Travail de l’acteur sur lui-même, construction de la situation

1er semestre : les bases du jeu d’acteur

  • Travail de l’acteur sur lui-même : par une série d’exercices, d’improvisations, de scènes à préparer sur des thèmes, nous travaillerons à aider l’élève à s’ouvrir à son propre imaginaire, à développer son univers personnel, à prendre la parole en son nom, à s’impliquer lui-même sur scène.
  • Construction de la situation : par une série d’exercices de difficultés graduelles, nous travaillerons sur la notion de situation et les notions qui lui sont liées, le conflit, l’événement, et l’objectif.

2e semestre : Mythes et figures mythologiques

  • L’élève ayant, au premier semestre, acquis les bases et de l’expression personnelle, et de la capacité à construire et jouer une situation, nous débuterons le travail sur le texte.
  • Nous avons choisi, comme première matière textuelle, différentes scènes du répertoire mettant en scène des figures mythologiques. Ces scènes vont du répertoire antique (Sophocle, Euripide) au plus contemporain (Barker, Sarah Kane, Brecht) en passant par le répertoire classique (Racine) et romantique (Hölderlin).
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CYCLE 2 – Approfondissement, interprétation

1er semestre : Théâtre classique
2ème semestre : Théâtre contemporain

Chaque semestre, le travail est centré sur un auteur, de manière à mener un travail approfondi. Mais nous veillons à aborder, de semestre en semestre, des auteurs très différents, pour élargir les notions et les styles abordés.

Les objectifs de ce travail sont multiples :

  • Il s’agira d’apprendre à différencier les œuvres, à distinguer les différents types d’écritures dramatiques, et en quoi elles appellent différentes réponses par le jeu.  Plus précisément, apprendre à différencier et à aborder les deux grands types de répertoire : le théâtre de situation, et le théâtre de jeu.
  • Travail sur les 3 vecteurs de l’action : physique, verbale, psychique.
  • Travail sur des langues différentes : différence du travail sur une langue naturaliste, et du travail sur une langue littéraire (vers et prosodie). Comprendre la forme d’une langue, son style, sa logique. Développer une vérité de la parole à travers les langues les plus formelles.
  • Développement de la capacité à analyser par le jeu la structure d’une œuvre, d’une scène, à la fois sous l’angle de la situation, et du développement de la pensée en action. 

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CYCLE 3 – Perfectionnement et autonomie

1er semestre : Travaux personnels

Chaque élève de C3 doit réaliser une mise en scène de 20 minutes. L’élève peut écrire le texte, ou monter un texte déjà existant. Cela peut même être un projet sans texte aucun, faisant appel à d’autres arts, comme la musique ou la danse.

Les élèves sont aussi acteurs dans les projets des autres, apprennent à être dirigé par quelqu’un de leur âge, à comprendre son esthétique, son endroit de recherche, et à y travailler.

Cette étape est très importante dans la formation : elle permet de voir dans quelle mesure l’élève a assimilé l’enseignement des trois premières années, dans quelle mesure il est autonome avec cet enseignement et peut s’en emparer pour faire une création personnelle aboutie.

Le professeur agit ici en tant que regard extérieur. Il supervise l’ensemble des projets, regarde les différentes étapes de travail, commente, oriente l’élève, lui fait prendre conscience des zones à éclaircir, à travailler, l’aide à trouver son propre style.

2e semestre : projet collectif, écriture de plateau, réalisation d’un spectacle

Le deuxième semestre est consacré à la réalisation d’un spectacle, de manière à éprouver les acquis dans un travail cette fois collectif, en expérimentant le processus de création d’un spectacle dans sa totalité.

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OPTIONS et Ateliers inter-conservatoire à partir du Cycle 1

  • Écriture de plateau
  • Improvisations
  • Technique vocale comédiens
  • Scènes
  • Aïkido / Danse
  • Mouvements et improvisation, masques

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Partenariats avec les théâtres

L’enseignement du théâtre ne pouvant s’épanouir en vase clos, il nous semble essentiel que les élèves soient en lien avec le théâtre d’aujourd’hui. Ce pourquoi nous cherchons à établir des partenariats avec les théâtres publics de la ville de Paris (Théâtre de la ville, Théâtre de la Colline, Théâtre de la Bastille, Bouffes du Nord), suivant trois axes : 

1/ l’atelier du spectateur
  • Emmener les élèves au théâtre, construire un programme, débattre des spectacles vus ensemble, si possible avec les équipes artistiques.
2/ Masters class
  • Profiter du passage à Paris d’artistes contemporains importants, et les accueillir pour une rencontre, ou une conférence, ou, quand c’est possible, une journée de stage. (Master class Arco RENZ en 2018-2019)
3/ Faire des présentations publiques dans d’autres lieux que le conservatoire
  • Que les élèves se confrontent à d’autres espaces, d’autres publics, pour enrichir leur expérience du plateau.

Un artiste en résidence

Certaines années, un artiste associé (comédien, dramaturge, metteur en scène) à la démarche originale, et reconnue dans le théâtre d’aujourd’hui, sera en résidence pour un an au conservatoire. Il travaillera avec les élèves de chaque cycle. Il ne s’agira pas d’intervention pédagogique proprement dit, plutôt de faire entrer les élèves dans sa démarche propre. L’occasion pour les élèves d’entrer dans une démarche artistique singulière. Les élèves ont ainsi eu l’opportunité de travailler avec Laurent Hatat et Alexandre Del Pérugia.

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