Un cliché qui a la peau dure consiste à dire qu’être acteur ne s’apprend pas. Certains seraient gratifiés d’un don mystérieux, dont d’autres seraient privés, et il n’y aurait pas à chercher plus loin. Ce cliché, se prolongeant, affirme que jouer, au théâtre, c’est s’exprimer. On aurait une personnalité plus ou moins forte, qu’on exprimerait sur le plateau, et jouer ce résumerait à cette simple expression de soi.
Nous pensons au contraire que le théâtre, et plus précisément l’art de l’acteur, est un art extrêmement complexe, qui ne s’acquiert qu’au prix d’un long travail, d’une part technique, mais d’autre part plus personnel, travail de fréquentation et d’analyse des auteurs, et de réflexion sur la société dans laquelle nous vivons.
Il ne s’agit pas simplement d’être soi-même, mais, d’entrer dans la pensée d’un auteur, dans sa structure, et par là de s’élever et être justement plus que soi-même.
Le paradoxe, c’est que pour porter la parole d’un autre, d’un personnage, d’un auteur, il faut être capable de parler en son nom, du plus profond de soi. C’est parce que je la fais mienne que la parole de l’autre devient active, vivante, percutante. C’est parce que je la nourris de ma propre vie intérieure, et que je lui donne forme artistique, que la vie du personnage devient réelle, et la pièce, vivante.
Condamnés à expliquer les mystères de leur vie, les hommes ont inventé le théâtre, disait Louis Jouvet. C’est à cette immense tâche, tentative vaine et sublime, à laquelle l’acteur doit se vouer, prenant par là une responsabilité à la fois sociale, politique, et spirituelle.
Le conservatoire du 10e a un département théâtre. Les élèves en théâtre ne sont pas les élèves de tel ou tel professeur, mais les élèves du département théâtre. Ce sont les élèves de l’équipe pédagogique du département théâtre. Les élèves travaillent, durant leur formation, avec au minimum deux professeurs différents.
Le département théâtre du conservatoire du 10e comporte deux professeurs d’interprétation, aux approches différentes et complémentaires. Le travail se fait au semestre. Chaque semestre, les élèves changent de professeur. Chaque semestre fait l’objet d’un projet cohérent, avec un matériau et un objectif précis. Les deux pédagogues définissent ces projets ensemble de manière à construire un projet global varié et cohérent pour les élèves.
Le projet est construit dans une progression. C’est un projet porté par l’ensemble de l’équipe, construit ensemble. Les professeurs se réunissent régulièrement pour échanger et assurer le suivi de chaque élève.
Les professeurs et les élèves travaillent en alternance dans deux espaces. La salle Marivaux, qui est un espace théâtral frontal, avec scène et gradin, et la salle de danse, qui permet de multiples possibilités spatiales (bifrontal, quadrifrontal, circulaire…). Le théâtre a depuis toujours exploité différentes relations spatiales avec le spectateur, et particulièrement aujourd’hui. Un enseignement du théâtre actuel ne peut se contenter d’un rapport au spectateur frontal, conventionnel. L’élève doit se confronter à différents rapports au spectateur, d’où l’importance du travail en alternance dans les deux salles.
Chaque cycle dispose, en plus des cours avec le professeur, d’un créneau obligatoire de temps de travail en autonomie. Ce travail est fondamental pour la progression de l’élève. Les élèves, pour profiter du cours, doivent travailler aussi en dehors du cours.
Le projet pédagogique est exigent, et fondé sur le collectif. Les élèves doivent venir systématiquement à chaque cours, et à l’heure.
La présentation publique n’est pas un spectacle, même si parfois, la forme peut s’en approcher. C’est une présentation de travaux. C’est une étape pédagogique très importante, qui est la rencontre du travail du semestre avec les spectateurs.
Le jury est composé des deux professeurs d’interprétation, et de deux artistes extérieurs. Les deux artistes extérieurs viennent aux deux présentations semestrielles des C2 et C3, et donnent à chaque élève un entretien individuel. Ce regard extérieur apporté par ces artistes est capital, pour donner aux élèves un autre regard, et mettre en perspective leur formation. Ce regard est également très riche pour les deux pédagogues : il leur permet aussi d’avoir un regard extérieur sur leur pédagogie, et de se remettre en question, ce qui est capital pour rester actif et pertinent.
et même encouragés, avec les élèves musiciens et danseurs.
Les élèves ont accès, en plus des cours d’interprétation, à des options : improvisation théâtrale, scènes, écriture de plateau, aïkido, danse, technique vocale et chant. Ces cours sont facultatifs, mais fortement conseillés.
Le projet pédagogique du département Théâtre du conservatoire Hector Berlioz s’inscrit dans une volonté d’apprentissage du collectif et d’enseignement des bases et fondamentaux de l’art théâtral.
Son enseignement est ouvert aux autres modes et techniques d’expression que sont notamment la danse (contemporaine), la voix (technique vocale), le corps (masque et aïkido).
En amont du cursus classique du conservatoire, ce cycle d’initiation permet la découverte du théâtre à travers une conduite pédagogique qui favorise l’expression corporelle et collective.
1er semestre : pratique de l’improvisation2e semestre : réalisation d’un spectacle, pour expérimenter le geste théâtral dans sa totalité
1er semestre : Travail de l’acteur sur lui-même, construction de la situation
1er semestre : les bases du jeu d’acteur
2e semestre : Mythes et figures mythologiques
1er semestre : Théâtre classique
2ème semestre : Théâtre contemporain
Chaque semestre, le travail est centré sur un auteur, de manière à mener un travail approfondi. Mais nous veillons à aborder, de semestre en semestre, des auteurs très différents, pour élargir les notions et les styles abordés.
Les objectifs de ce travail sont multiples :
1er semestre : Travaux personnels
Chaque élève de C3 doit réaliser une mise en scène de 20 minutes. L’élève peut écrire le texte, ou monter un texte déjà existant. Cela peut même être un projet sans texte aucun, faisant appel à d’autres arts, comme la musique ou la danse.
Les élèves sont aussi acteurs dans les projets des autres, apprennent à être dirigé par quelqu’un de leur âge, à comprendre son esthétique, son endroit de recherche, et à y travailler.
Cette étape est très importante dans la formation : elle permet de voir dans quelle mesure l’élève a assimilé l’enseignement des trois premières années, dans quelle mesure il est autonome avec cet enseignement et peut s’en emparer pour faire une création personnelle aboutie.
Le professeur agit ici en tant que regard extérieur. Il supervise l’ensemble des projets, regarde les différentes étapes de travail, commente, oriente l’élève, lui fait prendre conscience des zones à éclaircir, à travailler, l’aide à trouver son propre style.
2e semestre : projet collectif, écriture de plateau, réalisation d’un spectacle
Le deuxième semestre est consacré à la réalisation d’un spectacle, de manière à éprouver les acquis dans un travail cette fois collectif, en expérimentant le processus de création d’un spectacle dans sa totalité.
En savoir +L’enseignement du théâtre ne pouvant s’épanouir en vase clos, il nous semble essentiel que les élèves soient en lien avec le théâtre d’aujourd’hui. Ce pourquoi nous cherchons à établir des partenariats avec les théâtres publics de la ville de Paris (Théâtre de la ville, Théâtre de la Colline, Théâtre de la Bastille, Bouffes du Nord), suivant trois axes :
Certaines années, un artiste associé (comédien, dramaturge, metteur en scène) à la démarche originale, et reconnue dans le théâtre d’aujourd’hui, sera en résidence pour un an au conservatoire. Il travaillera avec les élèves de chaque cycle. Il ne s’agira pas d’intervention pédagogique proprement dit, plutôt de faire entrer les élèves dans sa démarche propre. L’occasion pour les élèves d’entrer dans une démarche artistique singulière. Les élèves ont ainsi eu l’opportunité de travailler avec Laurent Hatat et Alexandre Del Pérugia.